Artistas contemporaneos.

Juan Nacimientos y Daniela Lovera

Son una pareja de artistas venezolanos, cuya propuesta consiste en video-instalaciones donde intervienen y re-editan (sonido, video, subtítulos, entre otros componentes del audiovisual) películas famosas, de directores conocidos, o series de televisión populares, adecuándolas a los espacios (también intervenidos) donde van a ser proyectadas, creando una nueva estructura en cuanto a su contenido, narrativa y lenguaje, rompiendo con la expectativa del observador y con los códigos que ya tiene programados (si ya esta familiarizado con la película o serie).

Trabajando en colectivo han reeditado filmes del mercado masivo, como El Exorcista, Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, Propuesta Indecente, Terminator, Terminator II, Fiebre de Sábado por la Noche y Jesucristo Super Star. Entre otras películas.

“Un viejo filme se presenta en un espacio de proyección que consiste en un largo y estrecho corredor delimitado por sillas, colocadas en pares enfrentados como en la cabina de un avión comercial. Las ventanas hacia el exterior permanecen cubiertas por cortinas gruesas que bloquean cualquier exposición directa a la luz del trópico. Dentro de este espacio, que de hecho se trata de un autobús interurbano en marcha, se encuentra una audiencia conformada por hombres y mujeres -jóvenes y adultos, en su mayoría profesionales ejecutivos de la clase media. El autobús pertenece a una compañía venezolana, que ofrece los más atractivos paquetes en las principales rutas interurbanas del país: pasajeros frecuentes y viajeros ocasionales disfrutan ventajosos planes de trasporte; cómodos asientos y programación de películas a precios razonables. El filme que se muestra es el clásico del terror El Exorcista, dirigido por William Friedlkin y re-editado por Juan Nascimento y Daniela Lovera. Rápidamente se hace evidente, incluso para el espectador distraído, que las escenas originales de esta historia (que nos es familiar) –incluyendo aquellas en las que Linda Blair es fieramente poseída por fuerzas diabólicas– han sido removidas totalmente del filme. Pero cuando todas las escenas que incluyen actuaciones son suprimidas de la estructura original, una nueva línea del relato emerge como modelo narrativo inexplicable, organizado a través del montaje irónico de espacios vacíos (establishing shots) y editado con los residuos de la banda sonora original.”
A través de sus instalaciones interpretan y emulan otras propuestas, como la del museo sin paredes de el escritor André Malraux.

En el siguiente link explican en que consiste esta instalación.

http://av.celarg.gob.ve/decoleccion/portal.htm

André Malraux

Para no aburrir con tanto texto dejo aquí un link con una breve biografía de este escritor, ensayista y político:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/malraux.htm

En que consistía el museo sin paredes.

“En el período que sigue a la Segunda Guerra Mundial, el monumento más grande a la misión del museo es el “museo sin paredes” de André Malraux. Las pretensiones que exagera Malraux son las de “la historia del arte como una disciplina humanística”. Pues Malraux encuentra en la noción de estilo el principio último homogeneizante, de hecho la esencia del arte, hipostasiada, curiosamente, a través del medio fotográfico. Cualquier trabajo de arte que pueda fotografiarse puede ocupar un puesto en el supermuseo de Malraux. Pues la fotografía no sólo asegura la admisión de varios objetos, fragmentos de objetos, detalles de objetos al museo, sino también el mecanismo organizador: reduce la que es ahora una heterogeneidad aún más vasta a una similitud singular perfecta. A través de la reproducción fotográfica un camafeo toma lugar en una página próxima a un tondo pintado o a un relieve; un detalle de Rubens en Antwerp se compara a uno de Miguel Angel en Roma. La diapositiva de la conferencia de un historiador del arte y la del examen del estudiante de historia del arte habitan el museo sin paredes.”
Fragmento extraido de.
En las ruinas del museo
Douglas Crimp

Nascimentos y Lovera parten del principio que planteaba Malraux, pero banalizan su visión, reduciendo su proyecto a una simple colección de fotografías, con fotografías de elementos comunes, no de obras de arte, que era lo que pretendía Malraux.

http://www.analitica.com/va/arte/actualidad/2314756.asp
http://www.latinart.com/spanish/aiview.cfm?id=184
http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=195&Itemid=49
http://www.michica.org/inserciones.html

Kehinde Wiley

Es un artista nacido en los Ángeles California y afincado en Nueva York sus cuadros presentan una estetica realista, cuyos temas se basan en la cultura urbana y hip hopera, representando iconos del rap y actores negros que han tenido una gran influencia en la cultura estadounidense, con fondos decorativos, influenciado y basado en las tendencias artísticas antiguas y clásicas, como el renacimiento, rococó, barroco de donde toma ese discurso visual y lo transforma en un lenguaje mas contemporaneo.

Kehinde Wiley, que ha situado a sí mismo firmemente dentro de la tradición de historia del arte de la pintura de retratos. Wiley, como descendiente contemporánea de una larga línea de retratistas como Reynolds, Gainsborough, Tiziano, Ingres, y otros, se apropia de los signos y la retórica visual de la heroica, potente, lujoso, majestuoso y sublime en sus representaciones de jóvenes, urbanas, hombres negro.
Los temas y las referencias de estilo de su pintura, se yuxtaponen las inversiones de unos a otros, obligando a la ambigüedad y la perplejidad de provocación a impregnar sus imágenes. Al aplicar el vocabulario visual y las convenciones de la glorificación, historia, riqueza, poder y prestigio a la materia procedentes de la trama urbana en que se inserta que, Wiley presenta sus hombres, tanto jóvenes como heroico y patético, estetizada y cosificada, autónomo y manipulados . En última instancia, la práctica de Wiley, que molesta e interrumpe los tropos de la pintura de retratos para localizar, en sus palabras, "la lucha de clases en el nivel de señal".

Aqui dejo una comparacion de sus obras con las obras clásicas en que se basó.

Napoleón en su trono imperial, 1806, Jean Auguste Dominique Ingres, 259 x 162 cm.

Ice-T, 2005, Kehinde Wiley, 243.8 x 182.9 cm.

Las tres Gracias, 1625 - 1630, Peter Paul Rubens, 221 x 181 cm.


Three Graces, 2005, Kehinde Wiley, 182.9 x 423.8 cm.

http://www.kehindewiley.com/
http://www.sorrywereclosed.com/wiley_kehinde_info.php

A pesar de que trabajan en distintos soportes, con una temática muy alejadas unas de otras, La comparación que puedo encontrar entre estos artistas es que parten de obras que ya han sido realizadas, para crear piezas con un nuevo lenguaje, y una estética original, adecuada al contexto de su ámbito e influencia personal, imprimiendo en sus obras un toque de ironía, ironía que critica, se enfrenta o se burla de los cánones ya sean estéticos o técnicos establecidos por las obras en que se basan.

NOTA: Lo que está en azul son las reflexiones mias.

CRUZ-DIEZ, Fenomenal

El maestro Carlos Cruz Diez es un artista que a través del estudio, experimentación y constante búsqueda encontró y mostro una concepción del color que va mas allá de unas pinceladas en un lienzo o una composición, haciendo del color un fenómeno virtual y creando experiencias ópticas que trascienden lo bidimensional y lo tridimensional, juega con una cuarta dimensión, el tiempo, por medio del movimiento.

Su obra se encuentra estrechamente relacionada con la tecnología, por los materiales que utilizaba, por su aplicación en otras artes, como la arquitectura y por lo o que ambicionaba generar en sus piezas, según sus propias palabra debía fabricar algunas herramientas e instrumentos de trabajo.

Hace 2 años cuando la ULA le otorgo el doctorado honoris causa, estuvo caminando por los pasillos de la facultad de arte y diseño, y conversando con algunos alumnos y los profesores y algo que me llamo la atención fue su parte humana y su franqueza a la hora de hablar de su trabajo, su disciplina, su investigación y su amor por lo que hace, su arte no es elitista ni egoísta, posee profundas bases científicas, sobre todo sus teorías del color, y las explica por medio del arte, es un ser que comprende muy bien su entorno y convierte cualquier espacio en su soporte.

“Siempre he pensado que la obra de arte no está desligada de la sociedad ni de las circunstancias generacionales que rodean al artista en el momento de la creación. Los proyectos de obras manipulables para instalar en la calle, que realizaba en los años 54, no parten de una reflexión puramente estética, sino motivadas por una inquietud social.”

http://www.cruz-diez.com/espanol/index.htm

En esta página pueden encontrar su vida, obras, reflexiones, y su forma de ver el color.

net@ari

Aquí en Venezuela en 1985, ya se vislumbraba una nueva concepción en en cuanto el arte y su relación con ella a través de la tecnología, según el análisis de Miguel Miguel, autor de “The visual Word” o “La palabra visual” (donde expone brevemente algunas piezas de arte del profesor Yucef, así como su trayectoria), creó una experiencia con su atari donde explora el lenguaje de la programación. Según palabras del profesor, o mas o menos lo que entendí, consistía en una película animada en tiempo real manipulada por el espectador.


Aquí una explicación más coherente de la que yo podría dar publicada en “EL NACIONAL -SÁBADO 25 DE AGOSTO DE 2001.”

“net@ari (pronúnciese netatari) es el nombre de la obra que Merhi mostrará aquí. Consta de un atari programado por el propio artista, con un sistema de secuencias visuales que será exhibido a través de un monitor plasma. Las imágenes de esta película se dividen en tres informaciones que se ofrecen en forma simultánea. La primera división muestra todo el curso de las instrucciones simbólicas que componen el programa introducido por el artista en el artefacto electrónico. La segunda división expone el guión de las variables de posición y de acciones que se derivan de tales instrucciones que serán ejecutadas por los personajes de la película, que son dos rectángulos. La tercera sección corresponde a la película como tal, protagonizada por las figuras geométricas señaladas, las que interactuarán y conversarán a través de notas musicales según una mezcla de pautas preestablecidas y el azar.”

TENNIS FOR TWO

Para entrar en el tema del arte interactivo y el arte digital, quiero hablar de una de las primeras experiencias de interactividad con la tecnología, que fue en 1957 con el juego “Tennis for Two” consistía en videojuego de tenis desarrollado por William Higinbotham, un físico estadounidense, esto lo hizo con un osciloscopio, que es un instrumento de medición electrónico para la representación gráfica de señales eléctricas, este instrumento hacia de monitor conectado a una máquina siendo este el primer videojuego de la historia, lo realizo de la manera siguiente, Usó un pequeño ordenador análogo y dibujó la trayectoria de una diminuta bola en un osciloscopio de laboratorio. Como pantalla, usó el visor del mismo. Para jugarlo, Higinbotham creó un adminículo que sirvió de control. Este juego no fue comercializado pues no se le dio mucha importancia.

¿Qué opinan?

¿Qué
piensan
de
esta
pintura?
del
artista
Héctor
Poleo

ARTE MODERNO

¿Cómo? ¿Cuándo? ¿Por qué?

Es difícil ubicarnos en un espacio de tiempo con el arte moderno, unos lo ubican durante el siglo XIX, posterior al movimiento simbolista, otros a partir del siglo XX, otros a partir de algún suceso o hecho trascendental en la historia del mundo, no me considero un experto en cuanto al arte moderno de hecho creo que entro dentro de la categoría de IGNORANTE sobre este tema, considero que el arte moderno no tiene tiempo, ¿no fue moderno un cuadro de Botticelli hace 500 años? Es un poco difícil definir lo moderno, lo que si es indiscutible es que en cada momento de la historia del arte surgieron una gran infinidad vanguardias que si se pueden ubicar en un espacio de tiempo y artistas visionarios que tenían algo que decir, algo que reclamar, que no estaban, ni están conformes con las reglas impuestas, ni con la sociedad, ni con ellos mismos.

Muchos artistas se vieron influenciados por hechos que prácticamente han dividido no en dos sino en múltiples pedazos la historia del mundo, como la revolución industrial, las Guerras (incontables Guerras), invenciones, nuevas tecnologías, crecimiento económico, crisis económica, hechos políticos, ideologías, y un sinfín de acontecimientos que aceleraron de manera abrupta la vida de las sociedades y el surgimiento de nuevas tendencias artísticas, que a continuación se mostraran.

Otros artistas se movieron con un gran sentimiento de inconformidad, con temas que conmueven la psique y el espíritu, que revuelven las tripas o te elevan un poco mas, con temas como la vida, la muerte, lo trágico, lo cómico, el amor, el odio, los deseos, la sexualidad, las aberraciones, la construcción, la destrucción, que se mueven entre el inconsciente y lo consciente, la locura y la genialidad.

Otros por influyentes pensadores del siglo XIX y XX como Karl Marx, Sigmund Freud, Friedrich Nietzsche, entre otros tantos.

Aquí muestro algunos de los más importantes representantes del arte Moderno con sus artistas y sus formas de arte que explican el punto al que me referí anteriormente.

EN LA ARQUITECTURA

Antes del 1900.

Gustavo Eiffel.

Un gran ejemplo de la utilización de nuevas tecnologías.

Otto Wagner .

Con un estilo de moda del art nouveau.

A partir del siglo XX.

Peter Behrens.

La Fábrica de las turbinas.

Gerrit Rietveld.

Casa schroder.

Mies van der Rohe.

El de la famosa frase “menos es mas” que ha influido tanto en algunos estudiantes de diseño Gráfico.

Albert Speer.

El arquitecto favorito de Hitler.

Le Corbusier.

Bruce Goff.

Casa Bavinger.

James Stirling.

Ricardo Bofill.

Arata Isozaki.

Maya Ling lin.

Zaha Hadid.

EN LA PINTURA.

Hacia el siglo XX Los fauvistas (una tendencias que duró solo 3 años), fueron los que comenzaron a mostrar otro clima en cuanto el arte y a romper con los esquemas tradicionales de la pintura.

Andre Derain.

Henri Matisse.

El cubismo

Georges Braque.

Miembro del grupo fauvista al principio de su carrera.

Pablo Picasso.

Paula Modersohn- Becker.

“lo mas importante son mis propios sentimientos”

Edvard Munch.

Mijail Larinov

De la vanguardia rusa.

El collage.

Georges Braque.

La Abstracción

Vassily Kandinsky.

"una vez, en Múnich tuve una experiencia inesperadamente cautivadora en mi estudio. Pasó al atardecer: acababa de llegar a casa con mi estuche de pinturas bajo el brazo, después de pintar un estudio de naturaleza. Estaba todavía absorto en mi trabajo, cuando de repente mi mirada cayo sobre una pintura de una belleza indescriptible, llena de resplandor interior. Asustado por un momento, me dirigí hacia el enigmático cuadro en el cual no podía ver mas que formas y colores, y cuyo contenido era indescifrable para mi. la respuesta del misterio surgió enseguida, era uno de mis cuadros apoyado en la pared. Al día siguiente, a la luz del día, intente recuperar la impresión que me había dejado aquella pintura la noche anterior. Solo lo conseguí a medias. Incluso mirándola desde un angulo lateral, podía distinguir los objetos, y faltaba aquella fina capa de color transparente, creada por la luz del crepúsculo. En aquel momento supe con certeza que el tema era perjudicial para mis cuadros"

Oskar Kokoshka

Esta obra expresa los sentimientos mas profundos del artista sobre la guerra y el echo de haber participado en ella.

Piet Mondrian.

La Bauhaus.

Georgia O` Keeffe.

Tarsila do Amoral.

Diego Rivera.

Joan Miró.

David Siqueiros.

Salvador Dalí “Avida Dollars”

"Hay contra Dalí un horror muy parecido a esa hipocresía sádica que se disfraza de horror hacia el verdugo. Dalí trepa tranquilamente la escalera, pasa la soga por el cuello de André Breton o de Pablo Picasso y los cuelga sin el menor remordimiento. Pero, entre la multitud indignada que asiste a las ejecuciones, se encuentran muchos que llevan años ahorcando privadamente a Breton o a Picasso, que los han descuartizado y quemado a fuego lento en incontables mesas de café, en tertulias valencianas o parisinas o bonaerenses, pero que se mandarían a guardar apenas alguien les pidiera que firmaran sus opiniones.”

Julio Cortazar

Los cornudos del viejo arte moderno.

La crítica es algo sublime. Es digna tan sólo de los genios. El único hombre que podría escribir un panfleto sobre la crítica soy yo, porque soy el inventor del método paranoico-crítico. Y ya lo hice ("Los viejos cornudos del arte moderno"). Pero sobre este asunto, ni en este diario, ni en "La vida secreta", lo he dicho todo y me he tomado buen cuidado de dejar en reserva patatas podridas y granadas explosivas. Y repetiría una vez más que no estaría de más tener a ojo a la pintura abstracta. A fuerza de convertirse en abstracta, su valor monetario también pasará a ser abstracto. Hay grados en la maldición de la pintura no figurativa: está el arte abstracto que tiene un aire muy triste; pero lo que es aún más triste es un pintor abstracto; la tristeza se convierte en dolor cuando nos tropezamos con un aficionado a la pintura abstracta; pero todavía hay algo peor y que no deseo a nadie: ser crítico y experto en pintura abstracta. A veces, ocurre una cosa realmente asombrosa: la crítica es unánime en afirmar que algo es muy bueno o que algo es muy malo. ¡Entonces, ya podemos tener por cierto que todo es falso! Hay que ser el más espeso de lo cretinos para afirmar que, al igual que el pelo se vuelve blanco, así también se vuelven amarillos los collages.

He titulado mi panfleto "Los cornudos del viejo arte moderno", pero no dije allí que los cornudos menos magnéticos de todos los cornudos son los dadaístas. Avejentados y canosos, pero siempre de un anticonformismo extremo, gustan con locura recibir de una bienal cualquier medalla de oro por una obra elaborada con la más firme voluntad de desagradar a todo el mundo. Pero hay cornudos aún menos magníficos, aunque parezca imposible; son los cornudos que adjudicaron el premio de escultura a Calder. ¡Ni tan siquiera ha sido dadaísta, pero así lo creyeron todos, y nadie pensó en decirle que lo menos que puede exigirse de una escultura es que no se mueva!

DALÍ, DIARIO DE UN GENIO

Héctor poleo

Francis Gruber.

Diego Rivera

Frida Kahlo

Emilio Vedova.

Fernando Botero.

Josef Albers.

Andrew Warhola.

Jose Luis Cuevas.

Benny Andrews.

Eric Bulatov.

Robyn Kakuhiba.

EN LA ESCULTURA

Pablo Picasso.

Constantin Brancusi.

Ernst Barlach

Alberto Giacometti.

David Smith.

Bill Viola.

Damien hirst.

Ron Muek.

Arte cinético en Venezuela

Jesús Soto.

Carlos Cruz Diez.

EN LA FOTOGRAFÍA

Alfred Stieglitz.

Paul Strand.

John heartfield.

Lee Miller.

Andres Serrano.

GRUPOS VANGUARDISTAS

Los fauvistas.

El grupo Madi.

Fluxus.

El techo de la ballena.

El Hairy Who.

Los disidentes.

Pregunta.

Marcel Duchamp.

El Dadaísmo: Fue el movimiento mas importante del período 1914 – 1918, con sentimientos de repulsión hacia la guerra, con un espíritu nihilista.

Tal vez sea una pregunta tonta, y tal vez al profesor Yucef le de un ataque, al pero realizar el trabajo me vino una pregunta a la mente, ¿dentro de que forma de arte se puede enmarcar el urinario de Duchamp, es decir, la pintura, la fotografía, la escultura, una instalacion? ¿o esta pieza no se puede enmarcar?, ¿ese urinario no entra dentro de ninguna categoría?, lo digo porque dentro del libro que revisé en su estructura lo colocan dentro de la pintura, alguien me dijo que es una fotografía y tiene características de una escultura, ¿Qué es ese urinario?, agradecería una respuesta del que lea el trabajo y del profesor o su punto de vista. Si es una pregunta tonta están en todo su derecho de decirlo… Pero denme una respuesta.

BIBLIOGRAFÍA

Artes visuales en el siglo XX, Edward Lucie – Smith. KONEMANN.

http://amantesartesvenezolanas.blogspot.com